“Sunday in the Park with George” est une ode émouvante au processus artistique

Dimanche dans le parc avec George, jouant actuellement une série limitée au Hudson Theatre de New York avec Jake Gyllenhaal, est parfaitement apolitique – un répit de deux heures et demie des angoisses contemporaines, des vacances sur les rives de la Seine, baignées de soleil et glorieuse harmonie. Et pourtant, sans essayer de le faire, c’est l’un des cas les plus convaincants imaginables pour le pouvoir des artistes et à quel point leur travail fait partie intégrante d’une société bien ordonnée. L’art nous montre comment le George de Gyllenhaal montre à sa mère à quel point la vie peut être belle dans l’une des chansons les plus touchantes du premier acte.

Mais plutôt que de simplement célébrer les fruits du travail créatif, dimanche dans le parc est un témoignage de processus création artistique; un aperçu essentiel de l’esprit de quelqu’un aux prises avec son propre génie. Lorsque le spectacle – avec de la musique et des paroles de Stephen Sondheim et un livre de James Lapine – a fait ses débuts en 1984, il a été interprété comme l’une des expressions les plus personnelles de Sondheim, faisant suite à sa bombe critique et financière, Joyeux nous roulons. George, le héros du spectacle, est obsédé par ses peintures, au détriment de tout le reste de sa vie. Mais au fur et à mesure que le spectacle se déroule, il passe de la France du XIXe siècle au Chicago des années 1980, explorant les raisons de sa fixation obstinée et comment le rôle de George en tant qu’observateur permet également à tous les autres de voir le monde différemment.

C’est en grande partie parce que ce renouveau, réalisé par Sarna Lapin (la nièce de James Lapin), est si grand et si riche en émotions, ancré par les performances de Gyllenhaal et Annaleigh Ashford en tant qu’amant de George et modèle artistique Dot. Le spectacle est basé sur le chef-d’œuvre pointilliste de Georges Seurat de 1884 “Dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte”.” et George est une version lâche de Seurat, avec sa vie largement romancée. Alors qu’il esquisse une étude de Dot, qui se plaint de l’inconfort, de la chaleur et de la concentration obstinée de George sur son travail, des projections de ses croquis apparaissent sur scène, livrées au public en temps réel. Tout au long, George raconte son processus de pensée : le défi d’apporter de l’ordre et de l’harmonie à une toile vierge.

Les talents d’acteur de Gyllenhaal sont maintenant bien documentés, donc ses talents vocaux peuvent surprendre (si vous ne l’avez pas déjà fait, le court métrage de Cary Fukunaga vidéo Gyllenhaal chantant “Finishing the Hat” de George à Hudson). Sa voix est riche, mesurée et emphatique. Mais c’est le jeu d’acteur qui se démarque vraiment derrière, dans une combinaison remarquable de réalisations techniques et d’absorption intense dans le rôle. Quand il chante la cartographie du ciel, sentant les voix de l’extérieur mais étant complètement perdu sous les projecteurs, le “vertige des hauteurs” de retomber sur terre, on est tenté, comme Dot, de tout lui pardonner.

Ashford, qui a remporté un Tony pour sa reprise en 2014 de la comédie daffy Tu ne peux pas l’emporter avec toi, est le fleuret parfait de George en tant que Dot : impertinent, pratique et infiniment charmant. Mais elle transmet également la belle douleur d’aimer quelqu’un d’aussi inaccessible, et sa chimie avec Gyllenhaal est pure. Vers la fin du premier acte, alors que George ordonne aux nombreux éléments et personnages de se réunir dans une synergie de musique et de visuels, il place Dot au début de “l’image” comme pour la serrer contre lui. Mais même les acteurs de soutien sont aptes à apporter un soulagement comique et à équilibrer l’harmonie de la série : Robert Sean Leonard dans le rôle de Jules, l’artiste accompli ; Penny Fuller dans le rôle de la mère de George, perdue dans la nostalgie ; Phillip Boykin dans le rôle du batelier grossier et turbulent. Les personnages périphériques sont des archétypes intrinsèquement éphémères, en contraste avec les représentations plus texturées de George et Dot.

Le deuxième acte dimanche dans le parc, qui saute à 1984 – Gyllenhaal joue un autre artiste nommé George et Ashford sa grand-mère, Maria, la fille de Dot – semblait souvent fragile après la perfection du premier acte, mais Lapin a réussi à rendre les deux moitiés plus symbiotiques en soulignant à quel point l’art de George était lié à son arrière-grand-père. Tout comme Seurat a utilisé le pointillisme et la science de la lumière pour créer de nouvelles couleurs et impressions, George a lancé en 1984 une installation lumineuse appelée “chromolume” à l’Art Institute of Chicago. Créée par le scénographe Beowulf Boritt, la pièce domine le public dans un affichage éblouissant d’illumination, de tissage et de gonflement au-dessus de la tête. Ashford, en transition transparente vers le rôle d’une grand-mère du Sud de 90 ans, explique l’isolement et la frustration créative de George dans “Children and Art”, une chanson adressée à sa mère dans le tableau. Les fissures dans sa voix et la faiblesse délibérée de la voix de Maria en font l’un des numéros les plus émouvants de la série.

Les frustrations de Modern George sont différentes, mais enracinées dans les mêmes préoccupations – contrairement à son arrière-grand-père, il doit lever des fonds pour ses œuvres coûteuses et de haute technologie et répondre aux critiques qu’il reçoit inévitablement. Mais sur “Move On”, il est clair que les deux ne font qu’un, essayant de faire de l’art qui compte et de faire quelque chose de nouveau. L’engagement dans l’exposition vient de la prise de conscience qu’il suffit de faire le travail – tout le reste n’est pas entre les mains de l’artiste. Cette production, si habilement mise en scène, souligne à la fois la valeur du combat et l’intemporalité du grand art. C’est vraiment puissant d’avoir, même pour une brève expérience, voir le monde à travers les yeux d’un visionnaire.